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Fin de la reprise de traduction : il manquait la fin : ardoisebleue 23 10 2018


Ce que je vais vous dire maintenant est une sorte de résumé de la partie précédente (#7) et consiste à appliquer à chaque piste les techniques citées précédemment en combinaison avec d’autres outils tel que le compresseur par exemple.

Tout d’abord, vérifiez pour chaque instrument, si vous avez besoin d’appliquer une égalisation de « sécurité ». Je veux dire par là, appliquer aux extrêmes aigus et graves des filtres passe-haut ou passe-bas pour vous prévenir contre des d’éventuels accidents sonores.

Devez-vous le faire uniquement si nécessaire ? Est-il bon/juste de toujours appliquer ces filtres et restreindre la plage sonore alors même qu’il n’y a peut-être pas un seul problème/pas lieu de la modifier ?

Peut-être. Cela dépendra du temps dont vous disposez. Ah, « le temps » encore ce mot magique ! Avec des délais serrés, cela nous demanderait trop de temps de passer en revue chaque piste et de repérer les éventuels défauts (spécifiques – faults). En règle générale, le temps est ce qui nous manque le plus en studio et il y aurait beaucoup de choses à dire sur les techniques de travail rapides (et sur le fait d’économiser vos oreilles), il serait donc/par conséquent assez habituel pour des ingénieurs du son d’appliquer ces filtres de cette manière. Je ne pense pas que cela soit « mauvais » sachant que cela n’a pas un impact aussi signifiant sur la portion du son concernée.

Une fois que vous avez fini d’ajuster les filtres et enlevé les harmoniques gênantes (et indésirables), commence la partie amusante : concentrez-vous sur un instrument et commencez à jouer avec l’EQ sur ce son. Maintenant, et avant que tout le monde ne me saute dessus, je veux qu’il soit bien clair que je ne prétends pas vouloir appliquer une quelconque correction sur tel ou tel son, voire sur le mix tout entier !

À ce moment-là, vous ne vous servez-pas de l’égaliseur comme d’un outil de correction (du moins pas pour l’instant) , mais vous vous en servez temporairement comme d’un outil pour explorer le son, tel un microscope. Cela est malheureusement plus difficile en utilisant un logiciel ou un greffon (avec un écran) qu’en utilisant de réels potentiomètres. Si vous travaillez dans un studio totalement informatisé et qu’il y est possible de modifier l’EQ avec une sorte de contrôleur MIDI avec de vrais potentiomètres, le travail en sera certainement plus rapide et intuitif que d’essayer de tout faire au moyen d’une souris.

Utilisez l’EQ pour trouver dans tout les sons ce qui caractérise chacun des instruments. Analyser les harmoniques intéressantes. Vous pouvez ensuite décider s’il y a besoin de les amplifier ou les limiter, ou encore de ne pas les modifier du tout. N’utiliser pas l’égaliseur pour le simple plaisir de l’utiliser, soyez sûrs de bien comprendre pourquoi ce que vous faites marche d’un point de vue de l’audio.

Ne « sur-travaillez » pas trop les instruments à moins que vous ne vouliez le placer très en retrait dans le mix et que vous ne trouviez que le son soit trop confus à ce volume. À la place, pour les parties qui jouent des parties musicales indépendantes, essayer d’accentuer chaque insturment (the voice) pour qu’ils gardent naturellement leur place dans le mix tout étant suffisamment présents pour le remplir/y avoir leur place. Séparez les parties au moyen de la technique de placement par les distances décrite plus tôt.

Pour les parties qui jouent les mêmes parties musicales, il est souvent bon d’avoir le réflexe de ne pas les mixer indépendamment, mais au contraire de les mixer en une partie commune pour obtenir un seul « gros » son. Les séparer peut, dans tous les cas, être difficile car les oreilles sont vouloir les mixer, mélanger. Il y a un petit point qui essaye de bloquer vos oreilles et votre cerveau et tente de les convaincre que ces parties sont distinctes. Elles ne le sont pas d’un point de vue musical et sont en général créées pour qu’elles puissent être combinées en une seule grande partie.

Cela demande un certain effort, mais peut donner de redoutables résultats. Pensez aux « scats » vocaux de George Benson sur ses accompagnements de guitare solo et comment ces deux parties sont mélangées ensembles pour donner un nouvel et étrange son de guitare. De même, mélanger des sons de synthé avec (par exemple) des cordes en direct peut être beaucoup plus efficace et plus audacieux si vous essayez de les combiner pour créer un nouveau type de son de cordes, plutôt que de le laisser sonner comme un petit synthé idiot jouant sur un orchestre écrasant.

Il est difficile de décrire dans un texte ce que vous faites lorsque vous travaillez avec chacun des sons principaux. J'allais ajouter quelques brèves observations sur le genre de choses que vous pouvez vous attendre à découvrir lorsque vous travaillez avec certaines des parties principales les plus courantes. mais il est impossible de donner à chaque instrument une couverture adéquate (j'ai essayé et je me suis épuisé après seulement deux exemples inadéquats), et cet article est déjà assez long de toute façon. Plus important encore, il serait inutile de mentionner dans cet article les principaux instruments de base quand ce sont des principes généraux de mixage que j'essaie d'expliquer ici.

Je résumerai le processus d’égalisation, quels que soient les instruments que vous traitez, en l’utilisant initialement comme une sorte de «microscope» qui vous permet d’examiner le son en détail pendant une minute ou deux. Une fois que vous êtes familiarisé avec les éléments qui constituent ce son, vous pouvez alors décider de la façon dont vous souhaitez les traiter, sans que cela implique nécessairement l’égalisation.

Par exemple, en jouant avec l’égaliseur en tant qu’outil d’écoute, vous découvrirez peut-être qu’un instrument (par exemple une guitare) aurait potentiellement beaucoup d’attaque, et n’est pas encore le cas. Comment devriez-vous faire ressortir cette "attaque" ? Peut-être que vous pourriez décider d’utiliser le correcteur d’égalisation mais cela peut souvent transformer le son, en particulier les guitares, en un son tenu sans trop de corps ni profondeur. Vous pourriez plutôt décider d’utiliser une compression avec une attaque lente afin d’accentuer l’attaque de l’instrument.



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