Historique: 9 - partage de piste

9 – Le partage de piste

Si certaines pistes ont plus d’une partie instrumentale (le «partage de piste» est une pratique courante si le nombre de pistes que vous possédez est limité), il est alors fort probable que les différentes parties aient besoin de niveaux différents d'égalisation et autres effets. (Bien que si vous avez lu mon article sur le réglage des niveaux d’enregistrement, vous saurez que je suis partisan d’enregistrer plusieurs éléments de la même piste à leur niveau relatif correct, il sera beaucoup plus facile d’effectuer un «contrôle du mixage» approximatif pendant la production).

Afin de ? trier, répartir, séparer ? différentes parties d'une même piste, vous avez deux options. Vous pouvez soit :

• Automatiser votre table de mixage afin que les réglages corrects «entrent» dans la partie droite du morceau.
• Dupliquer la piste et utiliser différents réglages avec la même piste passant par deux canaux différents.

Sur un système analogique conventionnel, la deuxième option est simple: il vous suffit d'utiliser un cordon de raccordement pour connecter la piste à deux canaux différents à la fois. Sur certains systèmes logiciels haut de gamme, vous pouvez également le faire (commande interne au logiciel), mais pas ce n'est pas systématique. Sur certains systèmes PC, vous devrez peut-être dupliquer la piste pour la faire apparaître sur deux canaux de mixage différents.

La deuxième option est de loin la plus simple en termes de temps de travail à produire. Même si «automatiser» le même canal pour qu'il modifie soudainement les réglages de la partie pertinente de la chanson semble «intelligent» et «net» et donc attrayant, il est chronophage et peut être difficile. En plaçant le même son sur deux canaux différents, vous pouvez jouer manuellement, sans automatisation, à votre guise, ce qui est beaucoup plus facile, la seule automatisation dont vous devez vous soucier est le «mute» automatisé qui bascule d’un canal à l’autre aux différentes parties de la chanson.
Sur un système entièrement basé sur un PC, la première option est préférable, car elle permet une utilisation plus efficace des ressources de votre CPU, car chaque piste ou canal supplémentaire tend à consommer plus de puissance. Une solution de contournement à ce problème de consommation d’énergie du processeur pourrait consister à «restituer» les paramètres des deux parties et à les mélanger sur une seule piste, en sauvegardant les originaux au cas où vous en auriez besoin à l’avenir.

Résumé de l'ajout de pièces principales :

L’essentiel lors de l’ajout des éléments principaux est de ne pas adopter une approche injonctive qui respecterait aveuglément les «règles» qui sont décrites plus haut. Vous devez vous assurer de bien comprendre ce que chacune des parties expose et comment elles interagissent les unes avec les autres. Cela vous aidera à définir à la fois le son et le positionnement stéréo. Utilisez vos oreilles et employez les commandes, uniquement, si vous pensez avoir mal agi ou si vous souhaitez appliquer les paramètres d'une session ultérieure ; Souvenez-vous qu'il n'y a pas de règles, et que ce qui compte, après tout, c’est uniquement la manière dont l'enregistrement sonne qui importe, et non la théorie sur la façon de faire. Et surtout rappelez-vous que les commentaires ci-dessus ne sont que des suggestions et conseils utiles, alors n'hésitez pas à les contester et les contredire.

Vous avez peut-être des approches totalement différentes, alors n'hésitez pas à expérimenter autant que vous le souhaitez. Rappelez-vous cependant que, à mesure que le temps passe, vos oreilles seront de plus en plus fatiguées et vous serez moins en mesure de prendre des décisions judicieuses. Travaillez aussi vite que vous le pouvez et ne passez pas trop de temps sur un instrument en particulier, vous risqueriez d'être entraîner vers une dépression😀.

En outre, n’ayez pas peur d’utiliser une forte compression sur certaines des parties principales si vous pensez que cela semble nécessaire. J’ai souvent été étonné par le niveau de compression dont certaines parties ont besoin mais pas dans le son général du mixage, où une compression importante n’est souvent pas particulièrement perceptible (contrairement à la «compression finale» qui est très audible si elle est excessive). Assurez-vous toutefois que le compresseur n'agit pas en permanence, sinon vous n’en tirerez pas le meilleur parti. Sur les parties les plus "calmes" d’une exécution, la «réduction de gain» ne doit pas apparaître ou très peu ( Si le compresseur a un vu-mètre de «réduction de gain» c’est évidemment très utile ). Si les voyants de «réduction de gain» sont toujours allumés, le réglage de la commande «Seuil» est certainement trop bas - À moins que vous utilisiez délibérément le compresseur pour ajouter du «punch», auquel cas c'est excusable. Sinon, un compresseur dont le seuil est réglé trop bas commence à agir de plus en plus comme une simple commande de volume et c'est perdre son temps.

Ajout des percussions

Il n’est pas nécessaire d’ajouter des percussions après les parties principales, il est parfois logique de le faire avant, lorsque vous avez la batterie, la basse et toutes les parties de pad en place. Cela dépend de la chanson. Personnellement, j'aime souvent jouer de la percussion plus tard dans le mixage, car vous pouvez avoir une meilleure perspective de ce que la percussion ajoute réellement de ce mixage. Cela vous donne également une pause après avoir joué de la batterie et de la basse, ce qui a probablement déjà heurté vos oreilles.

Les directives sont similaires aux parties principales. Écoutez ce que chaque partie «exprime» et cela vous aidera à réaliser vos positionnement stéréo. Certaines choses feront presque partie de la batterie (comme les cabasas, les tambourins et les maracas, qui fonctionnent souvent conjointement avec la charleston). D'autres éléments sont bien distincts (comme les timbales) et ne doivent être présents qu'en de très courtes périodes, avant qu'ils ne deviennent ennuyeux.
Il n’est pas nécessaire d’utiliser toutes les percussions lors du mixage, en fait, il est généralement préférable de ne pas le faire.
La raison en est que lors de l'enregistrement, les percussionnistes ont tendance à être trop généreux. Ils ont mis beaucoup de "au cas où" sur le motif qu'il pourra toujours être supprimé du mixage. C'est une raison valable, alors gardez cela à l’esprit et envisagez d’utiliser des sourdines automatiques sur le système de mixage pour importer les percussions dans des sections particulières qui nécessitent un peu plus de «couleur».
Lors de l’équilibrage des percussions, rappelez-vous que si vous souhaitez obtenir davantage de graves, le fait d’enlever les graves et les médiums vous donnera un son plus doux et plus lisse que de simplement monter l’égalisation dans les hautes fréquences. Ce n’est pas que l’un soit nécessairement meilleur que l’autre, seulement, ils produisent des résultats différents.

Par exemple, les éléments tout au long de la chanson, tels que les congas, les cabasas, les maracas, etc., répondent normalement à un égaliseur soustractif ( suppression des basses et médiums, plutôt que d’augmenter les aigus ) pour un son plus doux, sinon ils fatiguent l'auditeur ; Mais les choses qui ne sont que brièvement utilisées, telles que les timbales, bénéficient de l'effet "coup de tonnerre" supplémentaire que procure un important battement de tambour à lui seul. De plus, dans le cas particulier où un élément renforce un battement de tambour important, comme un tambourin battant au rythme de la caisse claire dont le son peut tirer parti de l’énergie supplémentaire fournie par l’amplification des aigus et le différencier du tambour.
De manière générale, pour la plupart des percussions, il n’est pas du tout inhabituel d’avoir à enlever un minimum de graves afin que la percussion «coupe» le mixage. Les bongos et les congas, peu importe la qualité de l'enregistrement, ont généralement besoin d'être "éclaircis" pour être entendus correctement dans un mixage pop très chargé.

Notre vieille amie, la "petite" réverbération, est particulièrement importante lorsque vous mixez des percussions. Pour obtenir un effet vraiment spectaculaire, essayez d'être généreux avec la petite réverbération et essayez de faire sonner les percussions comme si elles étaient «en dehors» du cadre du reste du mixage, de manière à ce que le son retentisse plus loin, plus fort et enveloppez le reste du mixage, au lieu d’être au milieu (à moins bien sûr que vous essayiez d’obtenir un son disco des années 70, auquel cas, laissez la percussion assez sèche). Si vous réalisez cette «largeur d'espace» en utilisant une réverbération courte, c'est souvent plus efficace s'il n'est utilisé que sur certaines parties du mixage (comme une pause de percussion) sinon, tout au long de la durée de la piste, cela peut devenir lassant pour les oreilles et perturber le reste du mixage.

Équilibrer les niveaux de percussion est une tâche délicate. Il est préférable de le faire à des niveaux assez bas avec de petites enceintes de contrôle, sinon vous risquez d'oubliez une chose lors du mixage final, comme un handclap ou un tambourin.

Le meilleur : le chant principal.
Ironiquement, après tous les efforts que vous avez déployés jusqu'à présent, il existe une «partie» musicale qui, si vous la ratez, provoque le naufrage.
Tout le temps et l’argent consacrés au reste est de l’argent perdu si vous ne parvenez pas à bien chanter.😡
Alors, quels sont vos objectifs?

• Premièrement, vous essayez de faire en sorte que ce que dit le chanteur soit audible. Je ne veux pas simplement dire entendu physiquement, mais aussi émotionnellement. Cela a un impact considérable sur le genre d'action que vous voudrez réaliser avec la voix principale dans le cadre du processus de mixage.
• Deuxièmement, vous devez adapter la voix à tout ce sur quoi vous avez travaillé ces dernières heures. J'espère que si vous avez suivi cet article jusqu'à présent, vous vous souviendrez que tout est mixé avec au moins un peu de tout ce qui est présent. Vous auriez donc dû entendre la voix, au moins dans une certaine mesure, tout au long du mixage jusqu’à maintenant. Si ce n’est pas le cas, vous risquez d’avoir une très mauvaise surprise lorsque vous réaliserez le fondu. Cela peut sembler, sur le plan sonore, très différent de tout le reste, et vous vous rendrez compte qu'il reste beaucoup à faire pour que le son fusionne avec tout le reste.

Mais la voix maîtresse ne devrait-elle pas être "pure"? Ne devrait-elle pas être non affecté, non compressé, sans égalisation, avec juste un peu de réverbération spécialement préparée?
Eh bien, essayez ça pour commencer. Cela peut fonctionner. Si oui, eh bien… 😕 c'était facile… sautez le reste de cette section!
Selon toute vraisemblance, ce ne sera pas le cas. Si vous avez fait du bon travail de mixage jusqu’à présent, alors tout devrait sembler très imposant et brillant, et la voix ne sonnera probablement pas aussi saisissante que tout le reste.
Il y a tant de façons différentes d'aborder la voix principale qu'un livre entier pourrait être écrit sur le sujet. Mais voici quand même quelques conseils:

• Pensez à utiliser une réverbération différente pour la voix que celle que vous avez utilisée sur la piste. Normalement, la réverbération sur la voix bénéficie de beaucoup moins d’atténuation que la réverbération à usage général et, si vous le pouvez, essayez de supprimer les basses fréquences du retour ou de l'envoi de réverbération. Tant la voix, que sa réverbération doivent être clairement audibles avant tout le mixage, sans être trop fortes. Un pré-délai généreux sur la réverbération vocale est souvent très efficace, car il donne l'impression que la réverbération est réfléchie par le fond d'un auditorium, une montagne ou un canyon. Veillez à ne pas exagérer la réverbération vocale, car elle peut sembler surfaite ou tout simplement lassante aux oreilles.
• Vous devrez peut-être un peu «éclaircir» la voix et ajouter un peu d'aigu augmenter légèrement sa brillance. Vous devrez peut-être aussi utiliser un dé-esseur pour contrecarrer les effets de cet égaliseur. Vous pouvez plutôt utiliser un effet de processeur Aural Exciter pour ajouter plus de fréquences sans faire de sibilance, ou essayer de jouer la voix avec un encodeur Dolby (comme si elle était en cours d’enregistrement), ce qui la rendrait plus lumineuse. «Désactiver les Dolbies» lors de la lecture était une technique standard pour les voix principale et les chœurs secondaire à l'époque de l'enregistrement analogique.
• Si la voix a besoin de compression, attendez-vous à y passer pas mal de temps. La voix principale expose à une compression médiocre, ce qui peut prendre beaucoup de temps avant de définir correctement les paramètres. Vous essayez d’obtenir la «présence» vocale pendant toute la durée de la chanson, sans que celle-ci ne semble écrasée ou limitée. La voix devrait (normalement), avoir un son spacieux et ouvert et pouvoir se déplacer librement. Une voix sur-compressée semble réellement claustrophobe! (naturellement, cela peut parfois être intentionnel). Mais, cependant, vous pourriez avoir besoin de «développer» une voix mal enregistrée et sur-compressée afin de lui redonner un peu de «vie». Si vous pensez que la configuration d’un compresseur est complexe, essayez de configurer un expandeur pour corriger une voix principale trop comprimée! Croyez-moi, vous ne voudrez pas trop compresser un chant principal lorsque vous en enregistrerez un après cette expérience!
• J'utilise souvent le chorus sur la voix principale. Quoi? Est-ce légal? Eh bien oui. Je ne parle pas de submerger la voix, ni de faire sonner comme si elle avait été doublée, je parle juste de la plus petite quantité possible de chorus très lent à un niveau très bas. Le niveau doit être si bas que l'effet de chorus lui-même est inaudible. Au lieu de cela, l’effet est que les aigus sonnent amplement et que la voix est «volumineuse» et plus puissante cela donne un effet difficile à décrire. Vous devez l'essayer pour comprendre ce que je veux dire. Juste très, très faible chorus sur des réglages très subtils, et même... à peine.
• Parfois, l’utilisation d’un égaliseur «à l’ancienne» tel que «Pultec» ou un autre égaliseur de type à valve peut vous permettre de modifier le son de la voix sans donner l’illusion qu’il a été délibérément égalisé. Je connais personnellement un “sauvetage” Pultec, un mélange qui semblait voué à l'échec parce que la voix ne cadrait pas avec le reste de la piste, peu importe ce qui était fait, mais deux minutes avec un Pultec et la voix était parfaite. Ce n'est pas une garantie cependant.
• En règle générale, utilisez uniquement les effets et les processeurs de la plus haute qualité sur la voix. Si vous les avez déjà utilisés pendant le mixage, envisagez de les récupérer à des fins vocales et de retravailler l’autre instrument avec une unité d’effet de rechange inutilisée et moins chère.
• Utiliser un délai avec des retours assez généreux, soit sur le temps soit en triolets, peut être très efficace sur un chant. Souvent, cela fonctionne bien tout au long de la piste. À d'autres moments, c'est d'un meilleur effet lorsque vous "chutez" occasionnellement des mots à la fin de phrases particulières. Soyez prudent en faisant cela, sinon vous risquez de tourner trop «ringard».

Nom di diou roudoudou... y'a du monde là !!!!!




Make a final check on the vocal sound, and make sure that it doesn’t sound too “effected”. The human ear is especially sensitive to vocals (we hear the human voice every day more than probably any other sound), and vocal parts can reveal poor processing or poor choice of effects very easily. When this happens, it sounds like the vocal is somehow “crumbling apart” and it somehow sounds “bitty” (even on an analog system!).
Vocal levels should be set whilst monitoring at a very low level – make sure the lyrics are clearly audible at all levels.
Backing Vocals

Backing vocals need to sound like a tightly controlled block of perfect harmonies. Normally what’s on tape isn’t anything of the sort.
So how do you fix them?

Firstly, assuming that you have individual backing harmonies recorded on separate tracks, the first thing is to get them to blend together so the harmonies create a pleasing effect. You need a bit of a “musical” ear to do this, so experiment a bit until you get a result where a nice “chordal” sound is produced. Listening to them as a group by themselves, without anything else in the mix, is (unlike other parts) usually the best way to get started. Make a little stereo mix of them, with reverb on each part individually. This is because certain harmonies within the group may need more reverb than others. You can add some “small” reverb as well as long in order to give them each a bit of individual space, but – often that’s not a good idea – because you are trying to get them to gel together into one harmonious lump, not sound like a set of individuals. The spatial “spread” you try to give them in stereo is much more about creating a nice “blocky” sound than separating the harmony parts.

Normally, the levels of the backing vocals don’t fit together. So compress them to death! Yes – it’s OK to do this on a pop track. Feel free to go quite mad. The backing vocals will usually be at quite a low level in the mix and so the compression will either not be noticeable, or will even enhance the sound! You want them to be a rock-steady block with little or no dynamics. If they need dynamics it is (unlike other instruments) best to compress them like mad individually so that they fit together properly, and add any dynamics by hand using automated fader movements on the stereo backing vocals as a whole.

If the backing vocals don’t sound “thick” enough, or simply sound out-of-tune (a common problem), then adding some chorus to them is often a good idea. If you have a “true stereo” chorus try setting the chorus return (or the send) so that it is in reverse – i.e. Parts on the left hand side, have a chorused sound to the right, and vice versa. This creates a nice stereo sound for the backing vocals without getting too much separation on the individual performers themselves. Check them in mono to make sure you haven’t added to much chorus (you normally don’t want them to sound “effected” as such) and the other reason is to check that you still get a nice “chordal” sound on the backing vocals when the mix is played in mono.

To help thicken them up some more, either try using an “Exciter” effect such as the Aphex Aural Exciter or try Dolby encoding, or simply add some very top end (12 kHz), using a de-esser if necessary to remove any sibilance introduced.

Finally, consider compressing the stereo mix of backing vocals as a whole as well. Yet more compression!! – Have I gone completely mad?? Not at all. Compressing the group has a different effect than individual compression, and often both are needed to get that “brick wall sound” that makes good pop backing vocals sound spectacular.

If you are using a PC based system, you might now have to “render” the backing vocal mix in order to get some life back out of your CPU!
If the backing vocals are already “premixed” to stereo, you either have to hope that they were combined using the techniques above, or instead, try adding EQ, reverse-stereo chorus, EQ, Exciter, compression etc. to the stereo track as a whole and see if that helps. When working with a “premixed” stereo set of backing vocals, you will often have to use midrange EQ with a narrow bandwidth in the middle of the note ranges of the harmonies, to “bring out” or “suppress” harmony parts that have not been correctly mixed together.
What? Did you expect a little thing like backing vocals to be easy?