Historique: 9 - partage de piste
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Travail en cours, voir Traduction "How to mix.." par Jezar, suite et fin..?
traduction en cours : ardoisebleue 12 10 2018
Si certaines pistes ont plus d’une partie instrumentale (le «partage de piste» est une pratique courante si le nombre de pistes que vous possédez est limité), il est alors fort probable que les différentes parties aient besoin de niveaux différents d'égalisation et autres effets. (Bien que si vous avez lu mon article sur le réglage des niveaux d’enregistrement, vous saurez que je suis partisan d’enregistrer plusieurs éléments de la même piste à leur niveau relatif correct, il sera beaucoup plus facile d’effectuer un «contrôle du mixage» approximatif pendant la production).
Afin de ? trier, répartir, séparer ? différentes parties d'une même piste, vous avez deux options. Vous pouvez soit :
- Automatiser votre table de mixage afin que les réglages corrects «entrent» dans la partie droite du morceau.
- Dupliquer la piste et utiliser différents réglages avec la même piste passant par deux canaux différents.
La deuxième option est de loin la plus simple en termes de temps de travail à produire. Même si «automatiser» le même canal pour qu'il modifie soudainement les réglages de la partie pertinente de la chanson semble «intelligent» et «net» et donc attrayant, il est chronophage et peut être difficile. En plaçant le même son sur deux canaux différents, vous pouvez jouer manuellement, sans automatisation, à votre guise, ce qui est beaucoup plus facile, la seule automatisation dont vous devez vous soucier est le «mute» automatisé qui bascule d’un canal à l’autre aux différentes parties de la chanson.
Sur un système entièrement basé sur un PC, la première option est préférable, car elle permet une utilisation plus efficace des ressources de votre CPU, car chaque piste ou canal supplémentaire tend à consommer plus de puissance. Une solution de contournement à ce problème de consommation d’énergie du processeur pourrait consister à «restituer» les paramètres des deux parties et à les mélanger sur une seule piste, en sauvegardant les originaux au cas où vous en auriez besoin à l’avenir.
L’essentiel lors de l’ajout des éléments principaux est de ne pas adopter une approche injonctive qui respecterait aveuglément les «règles» qui sont décrites plus haut. Vous devez vous assurer de bien comprendre ce que chacune des parties expose et comment elles interagissent les unes avec les autres. Cela vous aidera à définir à la fois le son et le positionnement stéréo. Utilisez vos oreilles et employez les commandes, uniquement, si vous pensez avoir mal agi ou si vous souhaitez appliquer les paramètres d'une session ultérieure ; Souvenez-vous qu'il n'y a pas de règles, et que ce qui compte, après tout, c’est uniquement la manière dont l'enregistrement sonne qui importe, et non la théorie sur la façon de faire. Et surtout rappelez-vous que les commentaires ci-dessus ne sont que des suggestions et conseils utiles, alors n'hésitez pas à les contester et les contredire.
Vous avez peut-être des approches totalement différentes, alors n'hésitez pas à expérimenter autant que vous le souhaitez. Rappelez-vous cependant que, à mesure que le temps passe, vos oreilles seront de plus en plus fatiguées et vous serez moins en mesure de prendre des décisions judicieuses. Travaillez aussi vite que vous le pouvez et ne passez pas trop de temps sur un instrument en particulier, vous risqueriez d'être entraîner vers une dépression😀.
En outre, n’ayez pas peur d’utiliser une forte compression sur certaines des parties principales si vous pensez que cela semble nécessaire. J’ai souvent été étonné par le niveau de compression dont certaines parties ont besoin mais pas dans le son général du mixage, où une compression importante n’est souvent pas particulièrement perceptible (contrairement à la «compression finale» qui est très audible si elle est excessive). Assurez-vous toutefois que le compresseur n'agit pas en permanence, sinon vous n’en tirerez pas le meilleur parti. Sur les parties les plus "calmes" d’une exécution, la «réduction de gain» ne doit pas apparaître ou très peu ( Si le compresseur a un vu-mètre de «réduction de gain» c’est évidemment très utile ). Si les voyants de «réduction de gain» sont toujours allumés, le réglage de la commande «Seuil» est certainement trop bas - À moins que vous utilisiez délibérément le compresseur pour ajouter du «punch», auquel cas c'est excusable. Sinon, un compresseur dont le seuil est réglé trop bas commence à agir de plus en plus comme une simple commande de volume et c'est perdre son temps.
Il n’est pas nécessaire d’ajouter des percussions après les parties principales, il est parfois logique de le faire avant, lorsque vous avez la batterie, la basse et toutes les parties de pad en place. Cela dépend de la chanson. Personnellement, j'aime souvent jouer de la percussion plus tard dans le mixage, car vous pouvez avoir une meilleure perspective de ce que la percussion ajoute réellement de ce mixage. Cela vous donne également une pause après avoir joué de la batterie et de la basse, ce qui a probablement déjà heurté vos oreilles.
Les directives sont similaires aux parties principales. Écoutez ce que chaque partie «exprime» et cela vous aidera à réaliser vos positionnement stéréo. Certaines choses feront presque partie de la batterie (comme les cabasas, les tambourins et les maracas, qui fonctionnent souvent conjointement avec la charleston). D'autres éléments sont bien distincts (comme les timbales) et ne doivent être présents qu'en de très courtes périodes, avant qu'ils ne deviennent ennuyeux.
Il n’est pas nécessaire d’utiliser toutes les percussions lors du mixage, en fait, il est généralement préférable de ne pas le faire.
La raison en est que lors de l'enregistrement, les percussionnistes ont tendance à être trop généreux. Ils ont mis beaucoup de "au cas où" sur le motif qu'il pourra toujours être supprimé du mixage. C'est une raison valable, alors gardez cela à l’esprit et envisagez d’utiliser des sourdines automatiques sur le système de mixage pour importer les percussions dans des sections particulières qui nécessitent un peu plus de «couleur».
Lors de l’équilibrage des percussions, rappelez-vous que si vous souhaitez obtenir davantage de graves, le fait d’enlever les graves et les médiums vous donnera un son plus doux et plus lisse que de simplement monter l’égalisation dans les hautes fréquences. Ce n’est pas que l’un soit nécessairement meilleur que l’autre, seulement, ils produisent des résultats différents.
Par exemple, les éléments tout au long de la chanson, tels que les congas, les cabasas, les maracas, etc., répondent normalement à un égaliseur soustractif ( suppression des basses et médiums, plutôt que d’augmenter les aigus ) pour un son plus doux, sinon ils fatiguent l'auditeur ; Mais les choses qui ne sont que brièvement utilisées, telles que les timbales, bénéficient de l'effet "coup de tonnerre" supplémentaire que procure un important battement de tambour à lui seul. De plus, dans le cas particulier où un élément renforce un battement de tambour important, comme un tambourin battant au rythme de la caisse claire dont le son peut tirer parti de l’énergie supplémentaire fournie par l’amplification des aigus et le différencier du tambour.
De manière générale, pour la plupart des percussions, il n’est pas du tout inhabituel d’avoir à enlever un minimum de graves afin que la percussion «coupe» le mixage. Les bongos et les congas, peu importe la qualité de l'enregistrement, ont généralement besoin d'être "éclaircis" pour être entendus correctement dans un mixage pop très chargé.
Notre vieille amie, la "petite" réverbération, est particulièrement importante lorsque vous mixez des percussions. Pour obtenir un effet vraiment spectaculaire, essayez d'être généreux avec la petite réverbération et essayez de faire sonner les percussions comme si elles étaient «en dehors» du cadre du reste du mixage, de manière à ce que le son retentisse plus loin, plus fort et enveloppez le reste du mixage, au lieu d’être au milieu (à moins bien sûr que vous essayiez d’obtenir un son disco des années 70, auquel cas, laissez la percussion assez sèche). Si vous réalisez cette «largeur d'espace» en utilisant une réverbération courte, c'est souvent plus efficace s'il n'est utilisé que sur certaines parties du mixage (comme une pause de percussion) sinon, tout au long de la durée de la piste, cela peut devenir lassant pour les oreilles et perturber le reste du mixage.
Équilibrer les niveaux de percussion est une tâche délicate. Il est préférable de le faire à des niveaux assez bas avec de petites enceintes de contrôle, sinon vous risquez d'oublier une chose lors du mixage final, comme un handclap ou un tambourin.
- Ironiquement, après tous les efforts que vous avez déployés jusqu'à présent, il existe une «partie» musicale qui, si vous la ratez, provoque le naufrage.
Alors, quels sont vos objectifs?
- Premièrement, vous essayez de faire en sorte que ce que dit le chanteur soit audible. Je ne veux pas simplement dire entendu physiquement, mais aussi émotionnellement. Cela a un impact considérable sur le genre d'action que vous voudrez réaliser avec la voix principale dans le cadre du processus de mixage.
- Deuxièmement, vous devez adapter la voix à tout ce sur quoi vous avez travaillé ces dernières heures. J'espère que si vous avez suivi cet article jusqu'à présent, vous vous souviendrez que tout est mixé avec au moins un peu de tout ce qui est présent. Vous auriez donc dû entendre la voix, au moins dans une certaine mesure, tout au long du mixage jusqu’à maintenant. Si ce n’est pas le cas, vous risquez d’avoir une très mauvaise surprise lorsque vous réaliserez le fondu. Cela peut sembler, sur le plan sonore, très différent de tout le reste, et vous vous rendrez compte qu'il reste beaucoup à faire pour que le son fusionne avec tout le reste.
Mais la voix maîtresse ne devrait-elle pas être "pure"? Ne devrait-elle pas être non affecté, non compressé, sans égalisation, avec juste un peu de réverbération spécialement préparée?
Eh bien, essayez ça pour commencer. Cela peut fonctionner. Si oui, eh bien… 😕 c'était facile… sautez le reste de cette section!
Selon toute vraisemblance, ce ne sera pas le cas. Si vous avez fait du bon travail de mixage jusqu’à présent, alors tout devrait sembler très imposant et brillant, et la voix ne sonnera probablement pas aussi saisissante que tout le reste.
Il y a tant de façons différentes d'aborder la voix principale qu'un livre entier pourrait être écrit sur le sujet. Mais voici quand même quelques conseils:
- Pensez à utiliser une réverbération différente pour la voix que celle que vous avez utilisée sur la piste. Normalement, la réverbération sur la voix bénéficie de beaucoup moins d’atténuation que la réverbération à usage général et, si vous le pouvez, essayez de supprimer les basses fréquences du retour ou de l'envoi de réverbération. Tant la voix, que sa réverbération doivent être clairement audibles avant tout le mixage, sans être trop fortes. Un pré-délai généreux sur la réverbération vocale est souvent très efficace, car il donne l'impression que la réverbération est réfléchie par le fond d'un auditorium, une montagne ou un canyon. Veillez à ne pas exagérer la réverbération vocale, car elle peut sembler surfaite ou tout simplement lassante aux oreilles.
- Vous devrez peut-être un peu «éclaircir» la voix et ajouter un peu d'aigu augmenter légèrement sa brillance. Vous devrez peut-être aussi utiliser un dé-esseur pour contrecarrer les effets de cet égaliseur. Vous pouvez plutôt utiliser un effet de processeur Aural Exciter pour ajouter plus de fréquences sans faire de sibilance, ou essayer de jouer la voix avec un encodeur Dolby (comme si elle était en cours d’enregistrement), ce qui la rendrait plus lumineuse. «Désactiver les Dolbies» lors de la lecture était une technique standard pour les voix principale et les chœurs secondaire à l'époque de l'enregistrement analogique.
- Si la voix a besoin de compression, attendez-vous à y passer pas mal de temps. La voix principale expose à une compression médiocre, ce qui peut prendre beaucoup de temps avant de définir correctement les paramètres. Vous essayez d’obtenir la «présence» vocale pendant toute la durée de la chanson, sans que celle-ci ne semble écrasée ou limitée. La voix devrait (normalement), avoir un son spacieux et ouvert et pouvoir se déplacer librement. Une voix sur-compressée semble réellement claustrophobe! (naturellement, cela peut parfois être intentionnel). Mais, cependant, vous pourriez avoir besoin de «développer» une voix mal enregistrée et sur-compressée afin de lui redonner un peu de «vie». Si vous pensez que la configuration d’un compresseur est complexe, essayez de configurer un expandeur pour corriger une voix principale trop comprimée! Croyez-moi, vous ne voudrez pas trop compresser un chant principal lorsque vous en enregistrerez un après cette expérience!
- J'utilise souvent le chorus sur la voix principale. Quoi? Est-ce légal? Eh bien oui. Je ne parle pas de submerger la voix, ni de faire sonner comme si elle avait été doublée, je parle juste de la plus petite quantité possible de chorus très lent à un niveau très bas. Le niveau doit être si bas que l'effet de chorus lui-même est inaudible. Au lieu de cela, l’effet est que les aigus sonnent amplement et que la voix est «volumineuse» et plus puissante cela donne un effet difficile à décrire. Vous devez l'essayer pour comprendre ce que je veux dire. Juste très, très faible chorus sur des réglages très subtils, et même... à peine.
- Parfois, l’utilisation d’un égaliseur «à l’ancienne» tel que «Pultec» ou un autre égaliseur de type à valve peut vous permettre de modifier le son de la voix sans donner l’illusion qu’il a été délibérément égalisé. Je connais personnellement un “sauvetage” Pultec, un mélange qui semblait voué à l'échec parce que la voix ne cadrait pas avec le reste de la piste, peu importe ce qui était fait, mais deux minutes avec un Pultec et la voix était parfaite. Ce n'est pas une garantie cependant.
- En règle générale, utilisez uniquement les effets et les processeurs de la plus haute qualité sur la voix. Si vous les avez déjà utilisés pendant le mixage, envisagez de les récupérer à des fins vocales et de retravailler l’autre instrument avec une unité d’effet de rechange inutilisée et moins chère.
- Utiliser un délai avec des retours assez généreux, soit sur le temps soit en triolets, peut être très efficace sur un chant. Souvent, cela fonctionne bien tout au long de la piste. À d'autres moments, c'est d'un meilleur effet lorsque vous "chutez" occasionnellement des mots à la fin de phrases particulières. Soyez prudent en faisant cela, sinon vous risquez de tourner trop «ringard».
- Effectuez une dernière vérification du son de la voix et assurez-vous qu’il n’apparaît pas trop «affecté». L'oreille humaine est particulièrement sensible aux voix (nous entendons la voix humaine chaque jour plus que tout autre son), et les parties vocales peuvent révéler très facilement un traitement médiocre ou un mauvais choix d'effets. Lorsque cela se produit, la voix semble “s'émietter” et sonne minuscule ( même sur un système analogique! ).
- Les niveaux vocaux doivent être définis en contrôlant avec le moniteur à un niveau très bas, assurez-vous que les paroles sont clairement audibles à tous les niveaux.
Les chœurs doivent se faire entendre en un bloc étroitement contrôlé et en harmonies parfaites. Normalement, ce qui est enregistré n’a rien de tel.
Alors, comment les réparer?
Premièrement, en supposant que vous ayez des harmonies de fond individuelles enregistrées sur des pistes séparées, la première chose à faire est de les mélanger pour que les harmonies créent un effet agréable. Pour ce faire, vous avez besoin d’une oreille «musicale». Essayez donc jusqu’à ce que vous obteniez un résultat permettant de produire un son «corde» agréable. Les écouter en groupe, sans autre élément, est (contrairement à d’autres parties) le meilleur moyen de commencer. Faites-en un petit mixage stéréo, avec une réverbération sur chacune des parties. En effet, certaines harmonies au sein du groupe peuvent nécessiter plus de réverbération que d’autres. Vous pourriez ajouter des "petites" réverbérations autant que nécessaire pour leur donner un peu d'espace distinct, mais souvent ce n’est pas une bonne idée car vous essayez de les amener à se fondre en une seule masse harmonieuse, et non à ressembler à un ensemble de personnes. La «diffusion» spatiale que vous essayez de leur donner en stéréo est bien plus liée à la création d’un son «bloc» agréable qu'à la séparation des parties d’harmonie.
Normalement, les niveaux des chœurs ne vont pas ensemble. Alors comprimez-les à mort! Oui, c’est acceptable de le faire sur une piste pop. N'hésitez pas à devenir fou🎅. Les chœurs sont généralement assez bas dans le mixage et la compression ne sera donc pas perceptible, ou améliorera même le son! Vous voulez qu'ils soient un bloc stable avec peu ou pas de dynamique. S'ils ont besoin de dynamique, il est préférable (contrairement aux autres instruments) de les compresser individuellement, de manière à ce qu'ils s'emboîtent correctement, et d'ajouter toute dynamique à la main à l'aide de mouvements de faders automatisés sur l'ensemble des voix stéréo.
Si les chœurs ne donnent pas assez de densité vocale, ou tout semblent discordants (problème courant), leur ajouter un peu de chorus est souvent une bonne idée. Si vous avez un chorus «true stereo», essayez de régler le retour du chorus (ou de l’envoyer) de manière à ce qu’il soit inversé, c’est-à-dire que les parties situées à gauche ont un son traité à droite et inversement. Cela crée un joli son stéréo pour les chœurs sans trop "séparer" les interprètes. Vérifiez-les en mono pour vous assurer que vous n’avez pas ajouté trop de chorus (vous ne voulez normalement pas qu’ils soient “effacés”), et vérifier que vous obtenez toujours un joli son “en accord” sur les chœurs lorsque le mixage est joué en mono.
Pour les densifier un peu plus, essayez d’utiliser un effet «Exciter» tel que l’Aphex Aural Exciter ou essayez l’encodage Dolby, ou ajoutez tout simplement une point d'aigu (12 kHz), en utilisant un dé-esseur si nécessaire pour supprimer tout présence de sibilance.
Enfin, envisagez de compresser le mixage stéréo des chœurs dans son ensemble. Encore plus de compression !! Suis-je devenu complètement fou ?? Pas du tout. Compresser le groupe a un effet différent de celui de la compression individuelle, et les deux sont souvent nécessaires pour obtenir ce «son de mur de briques» qui donne un son de chœur pop spectaculaire.
Si vous utilisez un système basé sur PC, vous devrez peut-être maintenant «traiter» le mixage vocal en arrière-plan afin de préserver la vie à votre processeur!
Si les chœurs sont déjà «pré-mixés» en stéréo, vous devrez espérer qu’ils ont été combinés à l’aide des techniques décrites ci-dessus ou essayez d’ajouter : chorus inversé, EQ, Exciter, compression, etc... à la piste stéréo dans son ensemble et voir si cela aide. Lorsque vous travaillez avec un ensemble de chœurs stéréo «pré-mixés», vous devrez souvent utiliser un correcteur d’égalisation de médium avec une bande passante étroite au milieu des plages de notes des harmonies, pour «faire ressortir» ou «supprimer» les parties d’harmonie qui n'ont pas été correctement mélangé.
Quoi? Vous vous attendiez à ce qu'une petite chose comme les chœurs soit facile ?
À ce stade, vous devriez avoir un mixage presque excellent, certainement beaucoup mieux que ce que vous aviez entendu sur la piste auparavant. Cependant, il est probable qu'à certains moments de la chanson, le mélange d'instruments se déséquilibre légèrement. Ça vaut la peine de s’asseoir un peu pour la pause maintenant (Un peu de thé et de biscuit à tout le monde?) et d’écouter le mixage de préférence sur des enceintes plus petites et à un volume beaucoup plus faible. Personnellement, si je prends une telle petite pause, j'aime m'asseoir dans une partie différente de la pièce (peut-être le canapé derrière) et écouter à un niveau très, très calme, et tenter de ne presque pas écouter ; Peut-être même d'écouter à l'extérieur du studio avec la porte fermée! (Je ne suis pas le seul à le faire), cela vous donnera un autre point de vue, et chacun de nous, après tout, avons l'habitude d'entendre la musique provennant de la chambre de quelqu'un d’autre ayant la porte fermée.
Je note ensuite ce qui se passe.
Écouter à bas niveaux ouvre toujours les yeux (il faut aussi ouvrir les oreilles). Pour certaines raisons,
Bien que vous ne puissiez pas entendre le détail des sons individuels particulièrement à bas niveau,
vous pourrez certainement entendre des déséquilibres de niveau avec une acuité surprenante.
Cela ne veut pas dire d'éviter d'écouter sur les «grandes» enceintes si le studio en est équipé. Les moniteurs de studio principaux sont très coûteux (50 000$ est le prix habituel à payer pour une paire de moniteurs principaux), en partie à cause de la qualité et de l’attention portée à la qualité des sons qu'ils reproduisent, donc les moniteurs principaux sont parfaits pour vous assurer que vous avez vraiment extrait le "détail" du son et trié les sources sonores en conflit, en particulier dans la région basse-moyenne à basse. Le son des basses sonne toujours assez bien sur les petites enceintes. Veillez donc à écouter sur les moniteurs principaux pour entendre le désordre qui se déroule vraiment dessous. C'est particulièrement important si le disque est joué dans des clubs et des bars.
Si vous n'avez pas de moniteurs principaux à votre disposition, alors le mieux que vous puissiez faire est d’écouter raisonnablement fort afin d’entendre (et de ressentir) correctement le grave du mixage, et ensuite, ramenez les moniteurs à un niveau plus raisonnable le plus rapidement possible. Si vous écoutez longuement trop fort vos oreilles se fatigueront rapidement et risquent me d'être endommagées à long terme.
Dans la plupart des studios, n’essayez pas d’écouter le mixage calmement sur les moniteurs principaux du studio. Ils travaillent généralement très mal à des niveaux faibles, et ils ne "revivent" qu'à des niveaux modérés à forts. De toute façon, ils sont calibrés à un niveau moyen à élevé et se comportent généralement très différemment s’ils sont sous-employés. Si vous souhaitez écouter calmement, utilisez plutôt les moniteurs de proximité. L'utilisation d'une sélection de moniteurs à une sélection de différents volumes vous permet «d'explorer» le mélange avec différentes quantités de détails. Est-ce que vous écrivez beaucoup de documents ou créez beaucoup d'illustrations sur un ordinateur? Oui? Si tel est le cas, pensez à écouter doucement sur de petites enceintes comme un "zoom arrière" du mixage pour voir l’ensemble de la photo et à une écoute assez forte sur les moniteurs principaux en tant que "Zoomer" (pour voir les détails) du mixage. Vous avez besoin de voir le mélange sous de nombreux angles différents pour obtenir un résultat extrêmement soigné pour la lecture dans de nombreux environnements différents.
Un résumé du monitoring serait :
- Obtenez les «sons» corrects à des niveaux modérés à élevés (en utilisant les moniteurs principaux si vous en avez)
- Réglez la «balance» à des niveaux bas (haut-parleurs de taille moyenne à petite), en effectuant des ajustements sonores mineurs au besoin.
Il est intéressant de noter que lorsque la «balance» du mixage est correcte à des niveaux d’écoute très bas, il est rare (quasiment jamais) que le son sonne mal par la suite, lorsque vous écouterez le mix à haut niveau. L'inverse est rarement vrai. Si vous avez déjà fait un mixage à volume élevé, alors je suis sûr que vous avez été amèrement déçu lorsque vous avez écouté votre mix tranquillement ultérieurement, et que vous avez trouvé que les niveaux sont mauvais. Certains des mixages que j'ai fait à un niveau trop fort sonnent mal quand ils sont écoutés à des niveaux raisonnables. Même si votre musique est conçue pour être écoutée fort (musique heavy-métal, musique de club, etc.), vous devez quand même équilibrer les niveaux à un volume faible, faute de quoi vos mixages sonneront pitoyablement faibles lorsqu'ils seront joués à la radio ou dans votre voiture. Habituellement, le seul moyen de récupérer un mixage mal réalisé est de le compresser fortement et de l’équilibrer à la correction, ce qui n’est pas très souhaitable, car il a toutes sortes d’effets secondaires désagréables.
Après cet avertissement, passons à l’art du détail de l'équilibre des niveaux.
Souvent, la première chose à faire par les personnes inexpérimentées est d’activer l’automatisation et de commencer à programmer les mouvements de faders, et bien je résiste à cette envie ! Je vais d'abord allumer l’automatisation et programmer les “mute”, pour le moment, pour plus de commodité, je laisse les faders en mode manuel.
Mon point de départ préféré n’est pas d’automatiser les faders, mais bien d’écouter attentivement la source du problème. Si un certain instrument «saute» du mixage toujours à certains points mélodiques pendant le mixage (ou semble également disparaître à certains points mélodiques pendant le mixage), il existe alors deux façons de corriger automatiquement ce problème sans aboutir à l'automatisation. Premièrement, vous pouvez essayer un peu plus de compression, voyez si vous avez un compresseur pour régler automatiquement le problème.
Deuxièmement, vous pouvez essayer d’égaliser la partie incriminée de sorte que l’égaliseur fasse plonger le son automatiquement (ou monte de niveau) aux points appropriés de la plage mélodique de l’instrument.
Notez que ce n'est pas la même utilisation de l'égaliseur que vous avez utilisée jusqu'à présent dans le processus de mixage. Jusqu'à présent, vous utilisiez l'égaliseur soit pour supprimer les résonances désagréables, ce qui implique un «cran» avec une très petite bande passante à des fréquences très spécifiques, ou bien vous avez utilisé l'égaliseur pour améliorer le son à un niveau plus général - ce qui implique généralement de jouer avec les subsoniques du son (égaliseur basse fréquence) ou de peaufiner les harmoniques supérieures du son à 3 kHz ou plus.
Nous parlons ici de jouer avec l’égaliseur en des points très spécifiques au milieu de sa plage mélodique - ce qui implique une largeur de bande assez étroite au milieu de la plage de notes de l’instrument, et non pas dans la plage des harmoniques supérieures est le bit auquel EQ pour l’amélioration du son est normalement associé).
Cette utilisation de l'égalisation et de la compression en tant qu'outil d'équilibrage de niveau a tendance à être interactive entre les deux techniques, un changement de l'une (compression ou égalisation) affecte dans une certaine mesure le résultat obtenu par l'autre, vous devrez donc peut-être effectuer un équilibre délicat entre les deux techniques pour que l’instrument se comporte en lui-même.
TRAVAUX EN COURS
But why do this when you can automate the faders?
Firstly, it’s considerably quicker. Using this technique to get the balance right in one part of the song (carefully checking you’ve not screwed up the level in other parts of the song), usually means that the instrument will “sort itself out” for the entire length of the song. Although it is often possible in automatic mixing systems to copy specific fader movements from one part of the song to another, this is often a fiddly, time-consuming, and often so boring a process that many people prefer to program it by hand for the whole length of the song – which also takes time.
Secondly, the other reason why using EQ and compression as an automatic mix level-balancing tool is a good idea, is that it tends to lead to a more musical result. Using fader automation to achieve the same ends usually involves making many very, very small fader movements that “ride the melody”. EQ and compression can do this for you automatically if done well. If you do a good job of this, it is still quite likely that you will need to do some fader movements, however such movements tend to be more “general” in nature rather than fiddly little ones.
Thirdly, using EQ and compression to balance levels makes life considerably easier if you have no automation system at all. People survived without automation for many years and still made great records. This is one of the ways in which they achieved that.
So, what if you have no automation at all?
If you don’t have automated mixing (which is still very common in project studios with analog mixing desks), don’t panic. All is not lost, and you can still get great results. This is how we did it in the days before automated mixing:
Firstly, use EQ and compression to let the mix sort itself out as described above
Secondly, for any sequencer generated parts recorded onto tape, you can run the parts “live” instead, and use the sequencer software to automate their mixing levels. Personally I usually record tracks from an external sequencer onto audio tracks separately rather than have the sequencer live, as it is less error prone, gives much better timing (less “MIDI-clogging”) and you don’t have to wait for the sequencer to sync up all the time, which makes it easier to work with – but when doing the final mix it is much less of an issue.
Thirdly (my personal favourite, and much quicker than the above) re-record onto the audio tracks any sequencer-based parts, adjusting the recording levels by hand whilst re-recording them. This is much quicker than reprogramming the sequencer and means you can “drop in” on any fader movements you’ve messed up. It also means that you’ve got a much better quality multitrack should someone else want to remix it.
Next, for the case where you have “live” (human-performed) instruments recorded and you have a “real” mixing desk with actual faders, you can find a couple of spare tracks and then mix the entire song down to them as you playback – “dropping in” to re-record over the separate mix sections where the levels are different. This gives many of the benefits of automated mixing – although you might need to get a friend to help you out with the fader movements if there are a lot of them at the same time – but hey!, that’s a fun, interactive experience for you both! They don’t even need to be any good at mixing – you can just tell them what faders to move where and when. Make some chinagraph pencil marks next to the faders as a guide to help them. This used to be one of the standard jobs for Assistant Engineers in the old days, and helped train them in the art of mixing. It is still the standard assistants job in the mixing of movie soundtracks, where there are usually many more trained staff available to help out with the process, making it much quicker and much more enjoyable than using a computer automation system.
Y en a encore pleins de phrases....😬
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