Historique: 9 - partage de piste
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Travail en cours, voir Traduction "How to mix.." par Jezar, suite et fin..?
traduction en cours : ardoisebleue 20 10 2018
Si certaines pistes ont plus d’une partie instrumentale (le «partage de piste» est une pratique courante si le nombre de pistes que vous possédez est limité), il est alors fort probable que les différentes parties aient besoin de niveaux différents d'égalisation et autres effets. (Bien que si vous avez lu mon article sur le réglage des niveaux d’enregistrement, vous saurez que je suis partisan d’enregistrer plusieurs éléments de la même piste à leur niveau relatif correct, il sera beaucoup plus facile d’effectuer un «contrôle du mixage» approximatif pendant la production).
Afin de ? trier, répartir, séparer ? différentes parties d'une même piste, vous avez deux options. Vous pouvez soit :
- Automatiser votre table de mixage afin que les réglages corrects «entrent» dans la partie droite du morceau.
- Dupliquer la piste et utiliser différents réglages avec la même piste passant par deux canaux différents.
La deuxième option est de loin la plus simple en termes de temps de travail à produire. Même si «automatiser» le même canal pour qu'il modifie soudainement les réglages de la partie pertinente de la chanson semble «intelligent» et «net» et donc attrayant, il est chronophage et peut être difficile. En plaçant le même son sur deux canaux différents, vous pouvez jouer manuellement, sans automatisation, à votre guise, ce qui est beaucoup plus facile, la seule automatisation dont vous devez vous soucier est le «mute» automatisé qui bascule d’un canal à l’autre aux différentes parties de la chanson.
Sur un système entièrement basé sur un PC, la première option est préférable, car elle permet une utilisation plus efficace des ressources de votre CPU, car chaque piste ou canal supplémentaire tend à consommer plus de puissance. Une solution de contournement à ce problème de consommation d’énergie du processeur pourrait consister à «restituer» les paramètres des deux parties et à les mélanger sur une seule piste, en sauvegardant les originaux au cas où vous en auriez besoin à l’avenir.
L’essentiel lors de l’ajout des éléments principaux est de ne pas adopter une approche injonctive qui respecterait aveuglément les «règles» qui sont décrites plus haut. Vous devez vous assurer de bien comprendre ce que chacune des parties expose et comment elles interagissent les unes avec les autres. Cela vous aidera à définir à la fois le son et le positionnement stéréo. Utilisez vos oreilles et employez les commandes, uniquement, si vous pensez avoir mal agi ou si vous souhaitez appliquer les paramètres d'une session ultérieure ; Souvenez-vous qu'il n'y a pas de règles, et que ce qui compte, après tout, c’est uniquement la manière dont l'enregistrement sonne qui importe, et non la théorie sur la façon de faire. Et surtout rappelez-vous que les commentaires ci-dessus ne sont que des suggestions et conseils utiles, alors n'hésitez pas à les contester et les contredire.
Vous avez peut-être des approches totalement différentes, alors n'hésitez pas à expérimenter autant que vous le souhaitez. Rappelez-vous cependant que, à mesure que le temps passe, vos oreilles seront de plus en plus fatiguées et vous serez moins en mesure de prendre des décisions judicieuses. Travaillez aussi vite que vous le pouvez et ne passez pas trop de temps sur un instrument en particulier, vous risqueriez d'être entraîner vers une dépression😀.
En outre, n’ayez pas peur d’utiliser une forte compression sur certaines des parties principales si vous pensez que cela semble nécessaire. J’ai souvent été étonné par le niveau de compression dont certaines parties ont besoin mais pas dans le son général du mixage, où une compression importante n’est souvent pas particulièrement perceptible (contrairement à la «compression finale» qui est très audible si elle est excessive). Assurez-vous toutefois que le compresseur n'agit pas en permanence, sinon vous n’en tirerez pas le meilleur parti. Sur les parties les plus "calmes" d’une exécution, la «réduction de gain» ne doit pas apparaître ou très peu ( Si le compresseur a un vu-mètre de «réduction de gain» c’est évidemment très utile ). Si les voyants de «réduction de gain» sont toujours allumés, le réglage de la commande «Seuil» est certainement trop bas - À moins que vous utilisiez délibérément le compresseur pour ajouter du «punch», auquel cas c'est excusable. Sinon, un compresseur dont le seuil est réglé trop bas commence à agir de plus en plus comme une simple commande de volume et c'est perdre son temps.
Il n’est pas nécessaire d’ajouter des percussions après les parties principales, il est parfois logique de le faire avant, lorsque vous avez la batterie, la basse et toutes les parties de pad en place. Cela dépend de la chanson. Personnellement, j'aime souvent jouer de la percussion plus tard dans le mixage, car vous pouvez avoir une meilleure perspective de ce que la percussion ajoute réellement de ce mixage. Cela vous donne également une pause après avoir joué de la batterie et de la basse, ce qui a probablement déjà heurté vos oreilles.
Les directives sont similaires aux parties principales. Écoutez ce que chaque partie «exprime» et cela vous aidera à réaliser vos positionnement stéréo. Certaines choses feront presque partie de la batterie (comme les cabasas, les tambourins et les maracas, qui fonctionnent souvent conjointement avec la charleston). D'autres éléments sont bien distincts (comme les timbales) et ne doivent être présents qu'en de très courtes périodes, avant qu'ils ne deviennent ennuyeux.
Il n’est pas nécessaire d’utiliser toutes les percussions lors du mixage, en fait, il est généralement préférable de ne pas le faire.
La raison en est que lors de l'enregistrement, les percussionnistes ont tendance à être trop généreux. Ils ont mis beaucoup de "au cas où" sur le motif qu'il pourra toujours être supprimé du mixage. C'est une raison valable, alors gardez cela à l’esprit et envisagez d’utiliser des sourdines automatiques sur le système de mixage pour importer les percussions dans des sections particulières qui nécessitent un peu plus de «couleur».
Lors de l’équilibrage des percussions, rappelez-vous que si vous souhaitez obtenir davantage de graves, le fait d’enlever les graves et les médiums vous donnera un son plus doux et plus lisse que de simplement monter l’égalisation dans les hautes fréquences. Ce n’est pas que l’un soit nécessairement meilleur que l’autre, seulement, ils produisent des résultats différents.
Par exemple, les éléments tout au long de la chanson, tels que les congas, les cabasas, les maracas, etc., répondent normalement à un égaliseur soustractif ( suppression des basses et médiums, plutôt que d’augmenter les aigus ) pour un son plus doux, sinon ils fatiguent l'auditeur ; Mais les choses qui ne sont que brièvement utilisées, telles que les timbales, bénéficient de l'effet "coup de tonnerre" supplémentaire que procure un important battement de tambour à lui seul. De plus, dans le cas particulier où un élément renforce un battement de tambour important, comme un tambourin battant au rythme de la caisse claire dont le son peut tirer parti de l’énergie supplémentaire fournie par l’amplification des aigus et le différencier du tambour.
De manière générale, pour la plupart des percussions, il n’est pas du tout inhabituel d’avoir à enlever un minimum de graves afin que la percussion «coupe» le mixage. Les bongos et les congas, peu importe la qualité de l'enregistrement, ont généralement besoin d'être "éclaircis" pour être entendus correctement dans un mixage pop très chargé.
Notre vieille amie, la "petite" réverbération, est particulièrement importante lorsque vous mixez des percussions. Pour obtenir un effet vraiment spectaculaire, essayez d'être généreux avec la petite réverbération et essayez de faire sonner les percussions comme si elles étaient «en dehors» du cadre du reste du mixage, de manière à ce que le son retentisse plus loin, plus fort et enveloppez le reste du mixage, au lieu d’être au milieu (à moins bien sûr que vous essayiez d’obtenir un son disco des années 70, auquel cas, laissez la percussion assez sèche). Si vous réalisez cette «largeur d'espace» en utilisant une réverbération courte, c'est souvent plus efficace s'il n'est utilisé que sur certaines parties du mixage (comme une pause de percussion) sinon, tout au long de la durée de la piste, cela peut devenir lassant pour les oreilles et perturber le reste du mixage.
Équilibrer les niveaux de percussion est une tâche délicate. Il est préférable de le faire à des niveaux assez bas avec de petites enceintes de contrôle, sinon vous risquez d'oublier une chose lors du mixage final, comme un handclap ou un tambourin.
- Ironiquement, après tous les efforts que vous avez déployés jusqu'à présent, il existe une «partie» musicale qui, si vous la ratez, provoque le naufrage.
Alors, quels sont vos objectifs?
- Premièrement, vous essayez de faire en sorte que ce que dit le chanteur soit audible. Je ne veux pas simplement dire entendu physiquement, mais aussi émotionnellement. Cela a un impact considérable sur le genre d'action que vous voudrez réaliser avec la voix principale dans le cadre du processus de mixage.
- Deuxièmement, vous devez adapter la voix à tout ce sur quoi vous avez travaillé ces dernières heures. J'espère que si vous avez suivi cet article jusqu'à présent, vous vous souviendrez que tout est mixé avec au moins un peu de tout ce qui est présent. Vous auriez donc dû entendre la voix, au moins dans une certaine mesure, tout au long du mixage jusqu’à maintenant. Si ce n’est pas le cas, vous risquez d’avoir une très mauvaise surprise lorsque vous réaliserez le fondu. Cela peut sembler, sur le plan sonore, très différent de tout le reste, et vous vous rendrez compte qu'il reste beaucoup à faire pour que le son fusionne avec tout le reste.
Mais la voix maîtresse ne devrait-elle pas être "pure"? Ne devrait-elle pas être non affecté, non compressé, sans égalisation, avec juste un peu de réverbération spécialement préparée?
Eh bien, essayez ça pour commencer. Cela peut fonctionner. Si oui, eh bien… 😕 c'était facile… sautez le reste de cette section!
Selon toute vraisemblance, ce ne sera pas le cas. Si vous avez fait du bon travail de mixage jusqu’à présent, alors tout devrait sembler très imposant et brillant, et la voix ne sonnera probablement pas aussi saisissante que tout le reste.
Il y a tant de façons différentes d'aborder la voix principale qu'un livre entier pourrait être écrit sur le sujet. Mais voici quand même quelques conseils:
- Pensez à utiliser une réverbération différente pour la voix que celle que vous avez utilisée sur la piste. Normalement, la réverbération sur la voix bénéficie de beaucoup moins d’atténuation que la réverbération à usage général et, si vous le pouvez, essayez de supprimer les basses fréquences du retour ou de l'envoi de réverbération. Tant la voix, que sa réverbération doivent être clairement audibles avant tout le mixage, sans être trop fortes. Un pré-délai généreux sur la réverbération vocale est souvent très efficace, car il donne l'impression que la réverbération est réfléchie par le fond d'un auditorium, une montagne ou un canyon. Veillez à ne pas exagérer la réverbération vocale, car elle peut sembler surfaite ou tout simplement lassante aux oreilles.
- Vous devrez peut-être un peu «éclaircir» la voix et ajouter un peu d'aigu augmenter légèrement sa brillance. Vous devrez peut-être aussi utiliser un dé-esseur pour contrecarrer les effets de cet égaliseur. Vous pouvez plutôt utiliser un effet de processeur Aural Exciter pour ajouter plus de fréquences sans faire de sibilance, ou essayer de jouer la voix avec un encodeur Dolby (comme si elle était en cours d’enregistrement), ce qui la rendrait plus lumineuse. «Désactiver les Dolbies» lors de la lecture était une technique standard pour les voix principale et les chœurs secondaire à l'époque de l'enregistrement analogique.
- Si la voix a besoin de compression, attendez-vous à y passer pas mal de temps. La voix principale expose à une compression médiocre, ce qui peut prendre beaucoup de temps avant de définir correctement les paramètres. Vous essayez d’obtenir la «présence» vocale pendant toute la durée de la chanson, sans que celle-ci ne semble écrasée ou limitée. La voix devrait (normalement), avoir un son spacieux et ouvert et pouvoir se déplacer librement. Une voix sur-compressée semble réellement claustrophobe! (naturellement, cela peut parfois être intentionnel). Mais, cependant, vous pourriez avoir besoin de «développer» une voix mal enregistrée et sur-compressée afin de lui redonner un peu de «vie». Si vous pensez que la configuration d’un compresseur est complexe, essayez de configurer un expandeur pour corriger une voix principale trop comprimée! Croyez-moi, vous ne voudrez pas trop compresser un chant principal lorsque vous en enregistrerez un après cette expérience!
- J'utilise souvent le chorus sur la voix principale. Quoi? Est-ce légal? Eh bien oui. Je ne parle pas de submerger la voix, ni de faire sonner comme si elle avait été doublée, je parle juste de la plus petite quantité possible de chorus très lent à un niveau très bas. Le niveau doit être si bas que l'effet de chorus lui-même est inaudible. Au lieu de cela, l’effet est que les aigus sonnent amplement et que la voix est «volumineuse» et plus puissante cela donne un effet difficile à décrire. Vous devez l'essayer pour comprendre ce que je veux dire. Juste très, très faible chorus sur des réglages très subtils, et même... à peine.
- Parfois, l’utilisation d’un égaliseur «à l’ancienne» tel que «Pultec» ou un autre égaliseur de type à valve peut vous permettre de modifier le son de la voix sans donner l’illusion qu’il a été délibérément égalisé. Je connais personnellement un “sauvetage” Pultec, un mélange qui semblait voué à l'échec parce que la voix ne cadrait pas avec le reste de la piste, peu importe ce qui était fait, mais deux minutes avec un Pultec et la voix était parfaite. Ce n'est pas une garantie cependant.
- En règle générale, utilisez uniquement les effets et les processeurs de la plus haute qualité sur la voix. Si vous les avez déjà utilisés pendant le mixage, envisagez de les récupérer à des fins vocales et de retravailler l’autre instrument avec une unité d’effet de rechange inutilisée et moins chère.
- Utiliser un délai avec des retours assez généreux, soit sur le temps soit en triolets, peut être très efficace sur un chant. Souvent, cela fonctionne bien tout au long de la piste. À d'autres moments, c'est d'un meilleur effet lorsque vous "chutez" occasionnellement des mots à la fin de phrases particulières. Soyez prudent en faisant cela, sinon vous risquez de tourner trop «ringard».
- Effectuez une dernière vérification du son de la voix et assurez-vous qu’il n’apparaît pas trop «affecté». L'oreille humaine est particulièrement sensible aux voix (nous entendons la voix humaine chaque jour plus que tout autre son), et les parties vocales peuvent révéler très facilement un traitement médiocre ou un mauvais choix d'effets. Lorsque cela se produit, la voix semble “s'émietter” et sonne minuscule ( même sur un système analogique! ).
- Les niveaux vocaux doivent être définis en contrôlant avec le moniteur à un niveau très bas, assurez-vous que les paroles sont clairement audibles à tous les niveaux.
Les chœurs doivent se faire entendre en un bloc étroitement contrôlé et en harmonies parfaites. Normalement, ce qui est enregistré n’a rien de tel.
Alors, comment les réparer?
Premièrement, en supposant que vous ayez des harmonies de fond individuelles enregistrées sur des pistes séparées, la première chose à faire est de les mélanger pour que les harmonies créent un effet agréable. Pour ce faire, vous avez besoin d’une oreille «musicale». Essayez donc jusqu’à ce que vous obteniez un résultat permettant de produire un son «corde» agréable. Les écouter en groupe, sans autre élément, est (contrairement à d’autres parties) le meilleur moyen de commencer. Faites-en un petit mixage stéréo, avec une réverbération sur chacune des parties. En effet, certaines harmonies au sein du groupe peuvent nécessiter plus de réverbération que d’autres. Vous pourriez ajouter des "petites" réverbérations autant que nécessaire pour leur donner un peu d'espace distinct, mais souvent ce n’est pas une bonne idée car vous essayez de les amener à se fondre en une seule masse harmonieuse, et non à ressembler à un ensemble de personnes. La «diffusion» spatiale que vous essayez de leur donner en stéréo est bien plus liée à la création d’un son «bloc» agréable qu'à la séparation des parties d’harmonie.
Normalement, les niveaux des chœurs ne vont pas ensemble. Alors comprimez-les à mort! Oui, c’est acceptable de le faire sur une piste pop. N'hésitez pas à devenir fou🎅. Les chœurs sont généralement assez bas dans le mixage et la compression ne sera donc pas perceptible, ou améliorera même le son! Vous voulez qu'ils soient un bloc stable avec peu ou pas de dynamique. S'ils ont besoin de dynamique, il est préférable (contrairement aux autres instruments) de les compresser individuellement, de manière à ce qu'ils s'emboîtent correctement, et d'ajouter toute dynamique à la main à l'aide de mouvements de faders automatisés sur l'ensemble des voix stéréo.
Si les chœurs ne donnent pas assez de densité vocale, ou tout semblent discordants (problème courant), leur ajouter un peu de chorus est souvent une bonne idée. Si vous avez un chorus «true stereo», essayez de régler le retour du chorus (ou de l’envoyer) de manière à ce qu’il soit inversé, c’est-à-dire que les parties situées à gauche ont un son traité à droite et inversement. Cela crée un joli son stéréo pour les chœurs sans trop "séparer" les interprètes. Vérifiez-les en mono pour vous assurer que vous n’avez pas ajouté trop de chorus (vous ne voulez normalement pas qu’ils soient “effacés”), et vérifier que vous obtenez toujours un joli son “en accord” sur les chœurs lorsque le mixage est joué en mono.
Pour les densifier un peu plus, essayez d’utiliser un effet «Exciter» tel que l’Aphex Aural Exciter ou essayez l’encodage Dolby, ou ajoutez tout simplement une point d'aigu (12 kHz), en utilisant un dé-esseur si nécessaire pour supprimer tout présence de sibilance.
Enfin, envisagez de compresser le mixage stéréo des chœurs dans son ensemble. Encore plus de compression !! Suis-je devenu complètement fou ?? Pas du tout. Compresser le groupe a un effet différent de celui de la compression individuelle, et les deux sont souvent nécessaires pour obtenir ce «son de mur de briques» qui donne un son de chœur pop spectaculaire.
Si vous utilisez un système basé sur PC, vous devrez peut-être maintenant «traiter» le mixage vocal en arrière-plan afin de préserver la vie à votre processeur!
Si les chœurs sont déjà «pré-mixés» en stéréo, vous devrez espérer qu’ils ont été combinés à l’aide des techniques décrites ci-dessus ou essayez d’ajouter : chorus inversé, EQ, Exciter, compression, etc... à la piste stéréo dans son ensemble et voir si cela aide. Lorsque vous travaillez avec un ensemble de chœurs stéréo «pré-mixés», vous devrez souvent utiliser un correcteur d’égalisation de médium avec une bande passante étroite au milieu des plages de notes des harmonies, pour «faire ressortir» ou «supprimer» les parties d’harmonie qui n'ont pas été correctement mélangé.
Quoi? Vous vous attendiez à ce qu'une petite chose comme les chœurs soit facile ? 😊
À ce stade, vous devriez avoir un mixage presque excellent, certainement beaucoup mieux que ce que vous aviez entendu sur la piste auparavant. Cependant, il est probable qu'à certains moments de la chanson, le mélange d'instruments se déséquilibre légèrement. Ça vaut la peine de s’asseoir un peu pour la pause maintenant (Un peu de thé et de biscuit à tout le monde?) et d’écouter le mixage de préférence sur des enceintes plus petites et à un volume beaucoup plus faible. Personnellement, si je prends une telle petite pause, j'aime m'asseoir dans une partie différente de la pièce (peut-être le canapé derrière) et écouter à un niveau très, très calme, et tenter de ne presque pas écouter ; Peut-être même d'écouter à l'extérieur du studio avec la porte fermée! (Je ne suis pas le seul à le faire), cela vous donnera un autre point de vue, et chacun de nous, après tout, avons l'habitude d'entendre la musique provennant de la chambre de quelqu'un d’autre ayant la porte fermée.
Je note ensuite ce qui se passe.
Écouter à bas niveaux ouvre toujours les yeux (il faut aussi ouvrir les oreilles). Pour certaines raisons,
Bien que vous ne puissiez pas entendre le détail des sons individuels particulièrement à bas niveau,
vous pourrez certainement entendre des déséquilibres de niveau avec une acuité surprenante.
Cela ne veut pas dire d'éviter d'écouter sur les «grandes» enceintes si le studio en est équipé. Les moniteurs de studio principaux sont très coûteux (50 000$ est le prix habituel à payer pour une paire de moniteurs principaux), en partie à cause de la qualité et de l’attention portée à la qualité des sons qu'ils reproduisent, donc les moniteurs principaux sont parfaits pour vous assurer que vous avez vraiment extrait le "détail" du son et trié les sources sonores en conflit, en particulier dans la région basse-moyenne à basse. Le son des basses sonne toujours assez bien sur les petites enceintes. Veillez donc à écouter sur les moniteurs principaux pour entendre le désordre qui se déroule vraiment dessous. C'est particulièrement important si le disque est joué dans des clubs et des bars.
Si vous n'avez pas de moniteurs principaux à votre disposition, alors le mieux que vous puissiez faire est d’écouter raisonnablement fort afin d’entendre (et de ressentir) correctement le grave du mixage, et ensuite, ramenez les moniteurs à un niveau plus raisonnable le plus rapidement possible. Si vous écoutez longuement trop fort vos oreilles se fatigueront rapidement et risquent me d'être endommagées à long terme.
Dans la plupart des studios, n’essayez pas d’écouter le mixage calmement sur les moniteurs principaux du studio. Ils travaillent généralement très mal à des niveaux faibles, et ils ne "revivent" qu'à des niveaux modérés à forts. De toute façon, ils sont calibrés à un niveau moyen à élevé et se comportent généralement très différemment s’ils sont sous-employés. Si vous souhaitez écouter calmement, utilisez plutôt les moniteurs de proximité. L'utilisation d'une sélection de moniteurs à une sélection de différents volumes vous permet «d'explorer» le mélange avec différentes quantités de détails. Est-ce que vous écrivez beaucoup de documents ou créez beaucoup d'illustrations sur un ordinateur? Oui? Si tel est le cas, pensez à écouter doucement sur de petites enceintes comme un "zoom arrière" du mixage pour voir l’ensemble de la photo et à une écoute assez forte sur les moniteurs principaux en tant que "Zoomer" (pour voir les détails) du mixage. Vous avez besoin de voir le mélange sous de nombreux angles différents pour obtenir un résultat extrêmement soigné pour la lecture dans de nombreux environnements différents.
Un résumé du monitoring serait :
- Obtenez les «sons» corrects à des niveaux modérés à élevés (en utilisant les moniteurs principaux si vous en avez)
- Réglez la «balance» à des niveaux bas (haut-parleurs de taille moyenne à petite), en effectuant des ajustements sonores mineurs au besoin.
Il est intéressant de noter que lorsque la «balance» du mixage est correcte à des niveaux d’écoute très bas, il est rare (quasiment jamais) que le son sonne mal par la suite, lorsque vous écouterez le mix à haut niveau. L'inverse est rarement vrai. Si vous avez déjà fait un mixage à volume élevé, alors je suis sûr que vous avez été amèrement déçu lorsque vous avez écouté votre mix tranquillement ultérieurement, et que vous avez trouvé que les niveaux sont mauvais. Certains des mixages que j'ai fait à un niveau trop fort sonnent mal quand ils sont écoutés à des niveaux raisonnables. Même si votre musique est conçue pour être écoutée fort (musique heavy-métal, musique de club, etc.), vous devez quand même équilibrer les niveaux à un volume faible, faute de quoi vos mixages sonneront pitoyablement faibles lorsqu'ils seront joués à la radio ou dans votre voiture. Habituellement, le seul moyen de récupérer un mixage mal réalisé est de le compresser fortement et de l’équilibrer à la correction, ce qui n’est pas très souhaitable, car il a toutes sortes d’effets secondaires désagréables.
Après cet avertissement, passons à l’art du détail de l'équilibre des niveaux.
Souvent, la première chose à faire par les personnes inexpérimentées est d’activer l’automatisation et de commencer à programmer les mouvements de faders, et bien je résiste à cette envie ! Je vais d'abord allumer l’automatisation et programmer les “mute”, pour le moment, pour plus de commodité, je laisse les faders en mode manuel.
Mon point de départ préféré n’est pas d’automatiser les faders, mais bien d’écouter attentivement la source du problème. Si un certain instrument «saute» du mixage toujours à certains points mélodiques pendant le mixage (ou semble également disparaître à certains points mélodiques pendant le mixage), il existe alors deux façons de corriger automatiquement ce problème sans aboutir à l'automatisation. Premièrement, vous pouvez essayer un peu plus de compression, voyez si vous avez un compresseur pour régler automatiquement le problème.
Deuxièmement, vous pouvez essayer d’égaliser la partie incriminée de sorte que l’égaliseur fasse plonger le son automatiquement (ou monte de niveau) aux points appropriés de la plage mélodique de l’instrument.
Notez que ce n'est pas la même utilisation de l'égaliseur que vous avez utilisée jusqu'à présent dans le processus de mixage. Jusqu'à présent, vous utilisiez l'égaliseur soit pour supprimer les résonances désagréables, ce qui implique un «cran» avec une très petite bande passante à des fréquences très spécifiques, ou bien vous avez utilisé l'égaliseur pour améliorer le son à un niveau plus général - ce qui implique généralement de jouer avec les subsoniques du son (égaliseur basse fréquence) ou de peaufiner les harmoniques supérieures du son à 3 kHz ou plus.
Nous parlons ici de jouer avec l’égaliseur en des points très spécifiques au milieu de sa plage mélodique - ce qui implique une largeur de bande assez étroite au milieu de la plage de notes de l’instrument, et non pas dans la plage des harmoniques supérieures est le bit auquel EQ pour l’amélioration du son est normalement associé).
Cette utilisation de l'égalisation et de la compression en tant qu'outil d'équilibrage de niveau a tendance à être interactive entre les deux techniques, un changement de l'une (compression ou égalisation) affecte dans une certaine mesure le résultat obtenu par l'autre, vous devrez donc peut-être effectuer un équilibre délicat entre les deux techniques pour que l’instrument se comporte en lui-même.
Mais pourquoi faire cela alors que vous pourriez automatiser les faders?
- Tout d’abord, c’est beaucoup plus rapide.L’utilisation de cette technique pour obtenir l’équilibre correct dans une partie de la chanson (en vérifiant soigneusement que vous n’avez pas foiré le niveau dans d’autres parties de la chanson), signifie généralement que l’instrument «se règle» tout au long de la chanson. Bien qu'il soit souvent possible dans les systèmes de mixage automatiques de copier des mouvements de faders spécifiques d'une partie de la chanson à une autre, il s'agit souvent d'un processus fastidieux, chronophage et tellement ennuyeux que beaucoup de gens préfèrent le programmer à la main pour la toute la longueur de la chanson, ce qui prend aussi du temps.
- Deuxièmement, l’utilisation de l’égalisation et de la compression comme outil d’équilibrage automatique des niveaux de mixage est une autre bonne raison, c’est qu’elle a tendance à conduire à un résultat plus musical. L’utilisation de l’automatisation des faders pour atteindre les mêmes buts implique généralement de faire de très très petits mouvements de faders qui «chevauchent la mélodie». EQ et compression peuvent le faire automatiquement si vous le faites bien. Si vous faites du bon travail dans ce domaine, il est tout à fait probable que vous deviez effectuer certains mouvements de fondu, bien que ces mouvements aient tendance à être de nature plus "générale" que de petits mouvements fastidieux.
- Troisièmement, l'utilisation de l'égaliseur et de la compression pour équilibrer les niveaux facilite considérablement la vie si vous n'avez pas de système d'automatisation. Les gens ont survécu sans automatisation pendant de nombreuses années et ont quand même fait de bons disques. C’est l’un des moyens par lesquels ils y sont parvenus.
Si vous n’avez pas de mixage automatisé (ce qui est encore très courant dans les studios de projet équipés de tables de mixage analogiques), ne paniquez pas. Tout n'est pas perdu et vous pouvez toujours obtenir d'excellents résultats. Voici comment nous avons procédé dans les temps précédant cette automatisation:
- Tout d’abord, utilisez EQ et la compression pour laisser le mixage se régler comme décrit ci-dessus.
- Deuxièmement, pour toutes les pièces générées par le séquenceur et enregistrées sur une bande, vous pouvez les exécuter «en direct» et utiliser le logiciel de séquenceur pour automatiser leurs niveaux de mixage. Personnellement, j’enregistre habituellement les pistes d’un séquenceur externe sur des pistes audio séparément plutôt que de laisser le séquenceur en direct, car il est moins sujet aux erreurs, il offre un meilleur temps de synchronisation (moins “d'engorgement" MIDI) et il n’est pas nécessaire d’attendre que le séquenceur se synchronise constamment. Ce qui facilite le travail. Toutefois, lors du mixage final, le problème est beaucoup moins grave.
- Troisièmement (mon préféré qui beaucoup plus rapide que les solutions précédentes), réenregistrez sur les pistes audio toutes les parties du séquenceur, en ajustant les niveaux d’enregistrement à la main tout en les réenregistrant. C’est beaucoup plus rapide que de reprogrammer le séquenceur et cela signifie que vous pouvez vous arrêter sur tous les mouvements de fader que vous avez ratés. Cela signifie également que vous avez une qualité multi-piste bien meilleure si quelqu'un d'autre veut la remixer.
Ensuite, dans le cas où vous avez enregistré des instruments exécutés en direct et que vous avez un véritable pupitre de mixage avec de véritables faders, vous pouvez trouver quelques pistes de rechange, puis mixez la totalité de la chanson au fur et à mesure de la lecture, et réenregistrez-la sur les différentes sections de mixage où les niveaux sont différents. Cette technique apporte plus d'avantages que le mixage automatisé, même si vous avez peut-être besoin d'un ami pour vous aider à manipuler les faders quand y en a beaucoup en même temps, mais bon ! C'est une expérience amusante et interactive pour vous deux! Ils n’ont même pas besoin d’être doués pour le mixage, vous pouvez simplement leur dire quels potentiomètres déplacer où et quand. Faites des marques de crayon chinagraph à côté des faders pour les aider. Auparavant, c'était l'un des emplois les plus courants des assistants ingénieurs, et cela les aidait à se former à l'art du mixage. C'est toujours le travail standard des assistants dans le mixage des bandes sonores de film, où il y a généralement beaucoup plus de personnel qualifié disponible pour aider au processus, le rendant beaucoup plus rapide et beaucoup plus agréable que d'utiliser un système d'automatisation informatique.
Enfin, comme dans ce qui précède, mais au cas où vous n’auriez pas une paire de pistes de rechange à mixer, vous pouvez mixer toute la piste dans des sections distinctes sur DAT, open-reel, etc... et ensuite coller le tout ensemble, en utilisant des ciseaux et du ruban adhésif si nécessaire (euh .. pas sur DAT,Je veux dire sur une bobine ouverte pour le montage avec bande adhésive!(: smile 😊, afin d'obtenir l'ensemble du mixage final édité.
Bien que cela prenne du temps et demande du travail avant que les sections ne puissent être entendues dans leur contexte comme un mix final, c'est toujours une option et c'est la façon dont les mixage complexes ont été réalisés, sans automatisation, pendant de nombreuses années.
L'inconvénient est que la correction des erreurs est un processus laborieux, impliquant la mise de coté des modifications, et qu'il est nécessaire de suivre avec soin les différentes sections d'édition dans un ordinateur ou sur avec des bouts de ruban adhésif qui traînent partout. De nombreuses personnes, y compris moi-même, ont passé beaucoup de temps à fouiller dans une platine à bande analogique à la recherche d'un bout de bande de vingt-deux secondes gisant par terre, enchevêtrée avec d'autres morceaux.
Dans l’ensemble, qu’essayez-vous d’atteindre ?
Vous essayez de réaliser un mixage dans lequel, pendant toute la durée de la chanson, les niveaux des différents instruments sonnent comme s'ils étaient en équilibre. Cela ne signifie pas nécessairement, cohérent, ce serait simplement ennuyeux. Si un son augmente trop fort dans le mixage, ne supposez pas que vous deviez immédiatement le contraindre en abaissant le fader. Peut-être que ça leur convient de monter momentanément à ce niveau dans la chanson ? Écoutez attentivement avant d'agir. Peut-être que tout le monde a besoin d’être intégré dans l’œuvre à cet instant, plutôt que de restreindre le seul artiste qui a osé être audacieux à ce stade de la chanson.
Comment vous y prendre?
Comme mentionné précédemment, le truc lors de l'équilibrage de niveau consiste à écouter calmement sur les petites enceintes, et non pas à fond sur des moniteurs principaux. Si vous souhaitez que le mixage de base sonne bien sur les moniteurs principaux, de subtils et infimes mouvements de faders ne peuvent être entendues correctement à des niveaux d'écoute aussi élevés. Essayez donc d'équilibrer les niveaux à un niveau légèrement inférieur au niveau d'écoute habituel. Écouter le résultat confortablement sur un système hi-fi à la maison.
Y a-t-il quelque chose à surveiller?
TRAVAUX EN COURS
Yes! – The most common mistake people make, is to spend literally hours and hours mixing a song on automation, delicately riding every single fader in the entire mix, smoothing out even the most slightest of imperfections. People start to “loop” the playback – sometimes spending considerable time on just a ten or twenty second segment, moving seemingly everything around in a continuous “Mexican wave” of fader movements.
If you do that, then the entire automation system effectively just becomes an extremely complex compressor, destroying all sense of dynamics and musical movement in the mix. When you play it back later, the mix will not “excite” anyone anymore. A telltale sign of this, is when the size of the song mix file in bytes (if you can measure this) becomes enormous – thereby indicating that throughout the song almost every fader is on the move (albeit slightly) throughout the entire length of the song. There is “fader edit”, on top of fader edit, on top of fader edit and so on. That surely can’t be good can it? Often you are simply fighting against bad fader movements you previously made underneath and it may well be worth rewriting a fader movement from scratch rather than “trimming” it many times.
So over-reliance on automation can lead to extremely “bland” mixes with no dynamics or life left in them – so don’t go crazy – do only what is necessary to keep the mix balance reasonably consistent, and do no more, otherwise you are wasting hours, killing the song by degrees as the day goes on. Unless the band is totally hopeless, try and leave dynamic “expression” to the musicians. It’s what they’re paid for.
Final Polishing
Hey, it’s tea-break time again!
It’s probably best to take a complete break from listening to anything at all at this point. You are probably quite exhausted. If you feel the urge to sleep, then make yourself a strong coffee. If you go to bed now, things will sound different to your ears in the morning and you will end up spending all of tomorrow redoing everything and all of today’s efforts will have been a waste of time. Best to battle on and get it finished today.
When you are ready to continue, listen to some other records very briefly for a few minutes at a quiet level. This will refresh your ears and remind you of how things sound in the big world of music recording outside of your studio. Compare different songs from different people. Listen to the levels of the different parts – especially the vocal level.
Then listen to your mix at domestic listening level, and compare that with listening to it loudly (on main monitor speakers if you have them). It is unlikely that anything major will need changing at this point, but what you will probably notice is that some parts overall are just a teeny bit too loud or too quiet. This should be a very “general” feeling; because you’ve already smoothed out the levels, there shouldn’t be anything that needs changing significantly during the song at all.
To change the overall levels of the two or three parts that might need “tweaking”, there are two ways you can do it. You can either program into the automation an overall “trim” of the separate parts, or – my preference – just carefully crank the “trim pots” at the top of the channel (or their software equivalents). It’s often much quicker than fiddling about with the automation system, especially now you’re tired and likely to do something silly (like erasing the master mix file – it happens, really!).
When you’ve got everything the way you want it, it is time to consider whether compressing the mix overall will have any benefit.
Before you leap out of your chair and go patching your $200 Alesis across the two weeks of blood, sweat and tears it took to get the song to this stage, consider whether you need to do any compression at all.
On the other hand, don’t assume that because you’ve compressed each instrument individually then overall compression isn’t required – the two things are quite separate and the mix compressor will respond to the blend of the instruments in a way that individual instrument compression never can. It can be worth doing mix compression on the night of the mix – you know the song more intimately at this point than you ever have in the past – or will the next day. But you can also be overtired and mess it up completely.
I’ve written a separate article about compression, but in summary there are a number of reasons why you might want to consider compressing the whole mix at this time:
The mix doesn’t sound loud enough
The mix isn’t “punchy” enough (not enough “bong” and “boff) despite best efforts whilst mixing
You’ve worked hard, and the whole mix nearly gels together but not quite.
Using a compressor on a precious, final mix is hard work requiring hard listening and serious concentration. You’ll need to do a lot of switching in/out of the compressor to see if you’re really making a difference, and in some cases you may be “splitting hairs” and not making enough significant difference to make the compression worthwhile. If it’s not making much difference then it probably isn’t worth doing at this stage.
If you’re not sure (and this only comes with experience) then you really should leave it alone. You can always compress the stereo mix later on another day. If you ruin your mix now you’ll be stuck with the results forever.
After you’ve got the compressor making the mix sound the best you can possibly get it, you might still consider one final round of teeny, teeny instrument level adjustments (this really is hard work, isn’t it?). Perhaps the compressor seems to have lost some of the bass from the mix? (quite likely – the subjective effect of compression is often a noticeable loss of extreme bass). Perhaps also some things now sound a wee bit too loud after whole-mix compression? If you think that radical changes are required, then you probably don’t have the compressor set up properly, so either redo it or just unpatch it completely and leave mix compression for another day.
This “final polishing” should take no more than about fifteen minutes to half an hour. You’re nearly dead as it is…
Record the mix onto DAT or CD right NOW!
Even if you intend to review a computer-based mix in the morning before definitely deciding on it, put it down now onto tape of DAT or CD anyway!! This is supremely important: Between now and tomorrow morning a huge number of things can change. Old outboard effects and other external equipment will have cooled down overnight and may sound slightly different in intangible ways the next day. Other people – or in my case, my pets – may not realise the importance of your precious work and start changing settings inadvertently. Even if the mix is “safe” inside a computer, the software might not perform properly the following day. The file system might even lose the mix. The computer may even crash horribly as you power down tonight just before you go home! I’ve had it happen. Even if you leave it turned on, it might catch fire. It’s working right now, so put the mix down and store a backup outside of the system (on DAT, CD or similar). Even more importantly keep the mix master safe and irrefutably well-labelled.
Here’s a story for you: “Gash tape” is what you call the 2-3 minutes of blank tape on a metal spool that you have left over at the end of a blank reel of master recording tape. Tape spools are expensive, and so if you need one quickly in the studio, if you see a tape spool with some “gash” on it lying around, you just pick up a razor blade, poke it through the hole in the tape spool, and slice straight through the layers of tape to the hub. All of the spare blank tape falls in little bits onto the floor or into the dustbin, and you’ve got yourself a nice empty metal spool in a hurry. In a London Recording Studio one morning, the bleary-eyed Producer and Engineer staggered into the studio after a late night mix the night before, only to find that the Tape-Op had just chopped last nights Marvin Gaye master mix into 6 inch pieces, mistaking it for “gash”.
Horror stories can involve DAT tapes too. It’s certainly not unusual to find a DAT tape has gone missing, only to find that the cleaners have accidentally knocked it off the shelf behind some tape machines or behind an equipment rack. Keep it safely stored away.
So if the studio breaks down overnight, or if there is some other disaster, you’re going to feel nice and smug if you’ve got a copy of the mix stored in a safe place. It’s happened to me before. It may be nothing more sinister than a simple power-cut for a few hours, but it still puts you out of action if you’ve not stored your many hours of work onto a portable format such as DAT or CD. This can be a disaster if you’ve got a mastering session booked that morning.
Important preparation for tomorrow
Don’t go to bed. Not yet.
Without changing anything related to the mix setup, do the normal housekeeping duties like emptying the ashtrays, taking the cups to the kitchen for a few minutes.
It’s quite possible you might (incredibly) want to listen to some light music at this point. That’s fine – but listen quietly though. Resist the urge to listen to your mix again. You’re finished with that for today. Personally, I used to like gently playing the lovely Yamaha Grand Piano in the main studio for about half an hour, with the lights dimmed.
Why are you doing all this? Because if you go to bed now, without a break, you will not be relaxed and as a consequence when you climb into bed, you will still be thinking about your mix. You will actually dream about the mix – moving faders in your sleep. You can have bizarre and confusing dreams about the mix if you haven’t relaxed properly before getting into bed.
I’ve literally woken up in a cold sweat in the middle of the night screaming “I’ve wiped the multitrack!!! I’ve erased everything!! Oh my god what am I going to do!!!” and then realised I’ve just been having a nightmare about the mix! It’s a horrible experience. You’re not going to be in a fit state to do anything the next day if you have a broken nights sleep like that.
So you must relax after the mix session, so that you can get a sound nights sleep without worry!
Summary
Wherever possible, you should allow time to have a “mix review” session the following morning. But before we discuss that, I’d like to make some closing comments about the mix process itself.
The process, in summary, goes something like this:
Learn everything about both the song and the recorded material on tape
Set up a rough mix of everything
Establish a good backing of drums, bass, and “pad” tracks in context
Get to the next stage of having all the lead stuff active and in good working order
Add in the lead and backing vocals
Tweak the mix, such that it is good throughout the entire song
Perform a final, “general” revision of levels and (possibly) mix compression
Record the mix down to stereo
Relax
Sleep on it
But – as I have mentioned previously, it is an iterative process. You will change and revise everything you’ve already done, as the mix takes shape – however, the more times you go around, the less radical the changes should be. You should be “closing down” the mix by degrees as the day goes by. By the end of the mix, you should feel confident that it is a “near-as-perfect” representation of what you were expecting to achieve. You should not feel that anything “could be better”. That’s why mix sessions usually go on well into the night. You tend not to have an ending time in sight, and instead you just work, and work, and work, at it until you feel that it is absolutely perfect. Then you go to bed after a brief period of relaxation.
It is difficult to write an article like this purely from “memory” of what goes on, and in practice there are without doubt some important aspects that I have left out. I will review this article from time to time to incorporate peoples comments, and update it where I think I left out important points. For example, on an analog mixing session there are several important things you need to be aware of. Apart from the obvious importance of making sure that an analog multitrack is properly calibrated and demagnetised before you mix – and that you are definitely mixing from the “Repro” head and not the “Sync” head (which has a different frequency response characteristic at the high end, and it is easy to forget to switch to “Repro”), it is also important to remember to clean the heads at several key points during the mixing session. An analog multitrack tape gets a severe battering during a mix session, and you will dirty many cotton buds wiping off all of the oxide that sheds onto the tape heads during the mix session. That battering might even effect the tape itself – the master tape may get slightly duller after hours and hours of use, and you might need to compensate for this (but it should not get too much duller, because that may indicate that you’ve got a nasty problem like magnetised tape heads).
As I said – there are probably other important things that I’ve forgotten too. I’ll add them as I remember them.
Finally, I should also state that both parts of this article represent my own practical experience of mixing sessions over several years – but they might not necessarily reflect the experience of the many other people around the world who also do mixes – and so I do not assert that this is in anyway the “right” approach for all circumstances. However, it’s certainly been my experience so far on mixing sessions that what takes place resembles pretty much exactly what I’ve described in 99% of cases.
The only times when it’s deviated significantly from the above is when helping out less experienced people, who often go off in disturbingly significant wild tangents, and have sudden major changes of approach during the session – and almost start mixing from scratch again. I normally can’t wait to get out of the studio quick enough under such circumstances, because there’s a real danger that they won’t even finish the mix at all. Use your time sensibly, and keep an eye on the clock. Mix sessions that run over more than a day are usually not pleasant to work on.
The Morning Review
Let’s now talk about what you should expect from a “mix review” session the following morning.
Firstly, try to do it by yourself with perhaps just one other person present. Having an experienced person who wasn’t there last night can be helpful – perhaps an experienced mixing colleague?.
The aim of the morning review, is simply to confirm that last nights mix was good enough. The aim is not to make any changes whatsoever unless something is badly wrong. Even if the person reviewing it with you suggests some changes, do not make them blindly without question – they may be wrong in their opinions.
If you work in software development, you’ll realise that this “morning after” process is a lot like fixing final bugs before a major software release – i.e. you do the minimum amount required to fix a bug – and that’s assuming that you even decide to fix it at all. If it isn’t critical, then leave it well alone. The last thing that you want to get into is dismantling everything. Most of all, you need to avoid “chain reactions”.
What’s a chain reaction? A “chain reaction” is where you start making changes that have impact on other things, requiring them to be changed, which has impact on further things and so on. Normally the conversation goes something like this:
“Ooo – we ought to turn up the percussion just a tiny bit”
“Yes, let’s do that”
“Ah… the snare sounds too quiet now. Can you brighten it?”
“Yes, it’s brighter now. Oh… The vocal isn’t loud enough anymore…”
“You’re right. Push it up, that’s right.”
“The guitars seem to be losing definition now.”
“Yes. We ought to consider using a different effect on them…”
Before you know it, everyone is taking the mix apart, and redoing everything. All this because you thought the percussion was a tiny bit too quiet. Was it worth it? The chances are, that once you let this happen, you’ll be in the studio until the early hours of the next morning yet again, with no guarantee of a better result.
The way to avoid this, is first of all to consider whether it is really critical that you make any such change in the first place. Can you live with it how it is? It’s fine to be a perfectionist, but playing with the mix after you’ve “finished” it, can have lots of subtle side effects that you forget in the cold light of day. Maybe (in this example) the percussion was a tiny bit too quiet deliberately because you found out – last night – that it was interfering with something else?
It is very easy to forget the reason for things on the morning after. Leave it alone if you can. If you must make a change, then the moment you realise that your change is starting to interfere with something else, then you should put it back exactly how it was. Don’t go “unbalancing” all the hard work you did yesterday.
Not only have I seen this happen several times before, but I’ve also known several times where the revised mix at the end of the “mix revision” day (after many more hours tweaking) sounded much worse than the original mix did the night before!
Learn to trust what you did the night before, and the only changes you should make – if at all – is to fix “major bugs” only. That’s the point in leaving it overnight – just to check in case you’d gone completely mad due to tiredness the night before. If the mix sounds pretty good then just leave it. Don’t start tweaking all the faders again.
For this reason, try to avoid “inviting” important people to audition the mix in the morning. They can listen to it later. The morning session is for you alone (and perhaps a trusted friend or colleague). The last thing you want is half the band turning up, along with all the record company representatives. Before you know it you’ll have every fool playing with the faders trying to make their mark on the mix. The mix is finished at this point and should be considered sacred unless something is badly wrong.
If you feel that you must make changes to the mix, before you do so, it is vital that you compare the mix you did last night with how it sounds this morning. The two should – naturally – be identical. Play them back simultaneously and switch between them making sure that they are identical in every respect before you start to change anything. Better still, on an all-digital digital system (a trick I’ve only discovered recently), blend last nights mix out of phase with the mix as it is now. The two should cancel out and you should hear total silence (apart from any effects or reverb that have a degree of randomisation in their behaviour).
I’ve nearly sent a mix (on more than one occasion) with “just one change” off to the mastering room, and then discovered (at the last minute – whilst waiting for the taxi to come and take the tape to the mastering room), that the mix is missing an important instrument because a “mute” button has somehow accidentally been knocked between the night before and now, or that an important effect is missing because of a dodgy patch cord. So you can understand why I stress that ideally you should leave the mix well alone, rather than make changes.
If – a couple of days later – you genuinely feel that some very slight tweak is really necessary, just mention it to the mastering engineer, and they will EQ, compress or otherwise process the final mixed stereo recording to bring out (or suppress) the things needed in order to get to the result that you want. At this late stage, this tends to produce better results than making ad-hoc changes to the mix setup itself, and because the entire mix is being processed, it tends to minimise the “chain reaction” effect that can otherwise occur as a result of trying to re-balance the original mix faders. It’s also beneficial in the sense that the mastering engineer will be hearing the mix with a totally fresh set of ears and may even urge you to consider leaving the recording alone if they believe that the balance is good enough without further reprocessing.
In some ways, mastering engineers are the “doctors” of the mixing world: “Doctor, I think my mix is unwell!”. “Really? Let me have a look… I see… That’s nothing serious, so try not to worry. Just take two of these frequencies and see me in the morning…”
Mastering can be a very reassuring experience.
I hope this article has given you an insight into the art of mixing, and that it helps you create great mixes in future!
Good luck!
Jezar.
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